Как рисовать как реальность
Покоряем края, часть I: как придать работе реализма
В каких случаях мягкая кисть усилит работу, а в каких достаточно жёсткой? Как научиться рисовать мягко и почему Крейг Маллинс советует этого не делать?
Что такое край?
Разные края на примере картины Джона Сингера Сарджента «Скалы в Дейр Эль-Бахри», 1891.
Говоря о краях, мы в первую очередь думаем о контурах предметов. На самом деле понятие гораздо шире: края существуют между плоскостями объекта, на границах света и тени, в переходах между цветами и даже очерчивают отдельные мазки кисти.
«Край есть между любыми двумя мазками на картине»
Марко Буччи (Marco Bucci)
Примеры краев, нарисованные Марко Буччи.
Края и тон
Марко не случайно поместил жесткий край между светло-голубым и темным цветом фона: контрасты делают границу визуально жестче. Близкие по тону цвета, наоборот, будут смягчать ее:
Благодаря этому свойству края и тон при правильном использовании способны усиливать друг друга. Одинаково контрастные детали будут выглядеть по-разному, в зависимости от жесткости края. Используя этот принцип стоит помнить, что смягчить край между разными по тону цветами может быть сложнее и выглядеть это будет менее естественно:
Начинающим художникам часто кажется, что наш мир состоит в основном из жестких краев. Это не так: он буквально наполнен мягкими и потерянными краями, роль которых может быть гораздо важнее, чем жестких.
Зачем использовать разные края?
Причин, по которым художник может выбрать тот или иной тип края, может быть всего две:
На первый взгляд, для концепт-художников важнее первый пункт. Поэтому в этой статье мы рассмотрим именно его, а о втором случае читайте в продолжении.
Края помогают строить перспективу
Постепенное смягчение краев по мере увеличения расстояния – одно из свойств нашей атмосферы. Объекты у горизонта теряют жесткость контуров и детализацию – мы уже рассматривали то, как это явление используют в пейзажной живописи. Близкие объекты, напротив, отличаются жесткими краями и контрастными деталями, которые кажутся ближе. По мнению Нейтана Фоукса (Nathan Fowkes), такая игра краями позволяет добиться максимальной глубины в работе:
Смягчение края за счёт тона тоже сопутствует воздушной перспективе – с увеличением расстояния контрастность снижается, тона сближаются и светлеют. В некоторых случаях этого может оказаться достаточно и всю работу можно сделать жестким краем:
А вот пытаться сделать все края мягкими не стоит. Из-за этого зрителю покажется, что изображение не в фокусе. Исключения возможны, но это должно быть осознанным решением.
Импрессионисты часто намеренно избавлялись от слишком жестких краев, придавая картинам воздушность, или же изображая туман:
Клод Моне, «Мост Ватерлоо, Эффект Тумана», 1903.
С похожей целью некоторые разработчики отказываются от жестких краев в графике. В результате получается стилизованная картинка, такая, как на этом концепте игры Limbo:
Края создают иллюзию света и тени
Серия Моне «Мост Ватерлоо» хорошо иллюстрирует еще одну особенность краев: рассеянный и тусклый свет создает больше мягких и потерянных краев, а жесткий и яркий – больше жестких и твердых. Тот же самый пейзаж, в ясный день выглядит совершенно иначе:
Клод Моне, «Мост Ватерлоо, Эффект Солнечного Света», 1903.
Значительную часть жестких краев Моне помещает на свету, в тени же очертания теряются. Тени сильно сближают объекты по тону, в результате края становятся трудноразличимы, часть картины может остаться практически однотонной:
«Утренняя Прогулка» (слева) и «Портрет Эшера Вертаймера» (Asher Wertheimer), Джон Сингер Сарджент.
Несмотря на то, что портрет справа содержит очень много мягких и потерянных краев, он не выглядит незаконченным. Наоборот, чрезмерная детализация теней была бы ошибкой, которую, по словам Крейга Маллинса (Craig Mullins), очень часто совершают начинающие художники. Даже жестко очерчивая значительную часть деталей на этом концепте для Alien: Isolation, художник Edouard Caplain все равно теряет почти все края, находящиеся в тенях:
«Контроль над тенями критичен для хорошей картины. Тени – лучшие учителя для понимания глубины, тона и краев».
Грегори Манчесс (Gregory Manchess)
Совсем забывать о тенях – другая крайность, которой следует избегать. Яркий свет фар на этом концепте Life is Strange 2 привлекает внимание, но именно тени и находящиеся в них края создают иллюзию закатных сумерек:
Смягчение краев характерно не только для теней. Работы в высоком ключе тоже сближаются по тону и легко теряют края. Автор задников для Braid Дэвид Хэллман (David Hellman) пользуется этим, чтобы не перетягивать внимание игрока с персонажей и окружения:
Работа David Hellman
И вновь работа David Hellman.
Края используют для передачи текстуры
Иллюстрация из The Witcher 3: Wild Hunt Artbook, CD Projekt Red
Края некоторых объектов, например, облаков, мягкие сами по себе. Именно с помощью краев художники 19-го века создавали на холсте реалистичные бархатные наряды. На картине Андерса Цорна (Anders Zorn) хорошо видна разница между золотым кольцом, почти целиком состоящим из жестких краев, написанными мягким краем волосами и бумагой, имеющей жесткие края только на сгибах:
«Эмма Цорн читает» Андерс Цорн
Это свойство краев может пригодиться при разработке дизайна персонажей. На этом концепте для League of Legends Джейсон Чан (Jason Chan) создает текстуру металла и волос с помощью жестких краев, а кожу и полупрозрачную ткань – с помощью мягких:
Нужно ли бросать все и учиться работать с краями?
Важность и сила краев, по мнению Бобби Чу и Марко Буччи – это то, к пониманию чего художники приходят, уже набрав определенный опыт. Принципы, описанные в первой части обзора, подходят для начинающих, но Крейг Маллинс советует не слишком увлекаться ими, в первую очередь уделив внимание перспективе, работе с формой и тоном:
«Края переоценены, они не важны. Края – это вишенка на торте. Они совершенно не нужны для того, чтобы нарисовать хорошую картину – посмотрите на художников-графиков».
Крейг Маллинс
Развитое графическое мышление, по мнению Крейга, сильно упрощает понимание работы с краем, которую можно считать более продвинутым уровнем.
Работы Крейга Маллинса часто изобилуют жесткими краями, смягченными за счет правильной работы с тоном.
Как научиться рисовать с помощью только жесткого края и понимать тон, показывает Марко Буччи в этом видео:
Для всех, кто уже уверен в своих силах, мы подобрали несколько упражнений, которые помогут потренироваться перед второй частью статьи.
Упражнение 1. Найдите разные типы краев
Это упражнение научит видеть принципы, описанные в статье, в реальной жизни.
Попробуйте потренироваться искать самые жесткие и самые мягкие края на фотографиях и картинах. Учитывайте, что жесткость может быть относительна: самый жесткий край на картине импрессиониста может быть намного мягче самого мягкого края на промо-арте к игре.
Где на этой фотографии находится самый жесткий край?
Поищите края на других фото: на портретах, пейзажах, натюрмортах. Можно и на картины художников посмотреть.
Учтите, что это задание гораздо проще выполнить с картинами – их авторы уже сделали всю работу и расположили края за вас. Изучение картин поможет понять, как работают мастера, а фотографии научат самостоятельно интерпретировать реальность.
Вы также можете попробовать сделать простые стадики с натуры. Джон Хьюз (John Hughes) советует использовать для этого обычные камни. Рисуя их, можно потренироваться использовать край для передачи текстуры, а также изучить то, как края ведут себя на свету и в тени.
«Стадики» (учебные зарисовки) камей, выполненные концепт-художником Gearbox Software Дэвидом Фортином (David Fortin).
Упражнение 2. Научитесь работать с мягким краем
Это упражнение научит делать края интересными и поможет выработать свой стиль работы кистью.
Самый простой и, одновременно, худший инструмент для этого – мягкая круглая кисть. По словам Марко Буччи, в ней есть что-то стерильное – она делает неинтересные и лишенные текстуры переходы, не похожие на традиционную живопись. Вместо того, чтобы использовать ее, можно:
Варианты мягких краев, нарисованных Джеймсом Дугласом (James Douglas) (слева) и Марко Буччи (справа).
Не бойтесь экспериментировать с разными инструментами и направлением мазков – в этом упражнении важно попробовать найти свой стиль. У каждого художника своя техника работы кистью, поэтому никакого правильного подхода здесь просто не существует.
«Работа кистью – это то, через что вы рассказываете о себе».
Марко Буччи
Упражнение 3. Сделайте таблицы краев разными кистями
Это упражнение научит контролировать кисть и избавиться от ощущения «Вот бы найти ту самую, правильную кисточку».
Жесткая кисть потребует времени, чтобы сделать мягкие края, в процессе будет полезно пользоваться пипеткой, чтобы брать получающиеся промежуточные тона и смешивать их.
Мягким кистям сложнее даются жесткие края, поэтому придется уменьшать ее размеры. В конце можно использовать все понравившиеся кисти сразу.
Созданные Марко Буччи таблицы краев.
Прим. ред. Нужно больше информации? Вот тут можно еще почитать о краях + скоро выйдет продолжение статьи!
10 советов для рисования в стиле реализма
В данном видео я хочу поделиться с вами 10 советами о том, как улучшить навык рисования в стиле реализма и сделать работы в данном стиле более живыми, натуральными и динамичными. Досмотрите видео до конца и, я уверена, вы обязательно откроете в нём что-то полезное для себя. Приятного вам просмотра!
Лига Художников
26.4K постов 27.7K подписчиков
Правила сообщества
0. Без грубостей и хейта. Давайте жить дружно!
1. Лига Художников — работы, созданные вами.
Чаще всего это цифровые, традиционные рисунки, на ткани или иных носителях.
2. Слабые работы часто отклоняем, ибо они провоцируют негатив у зрителей.
3. Просим выкладывать картинки в хорошем качестве; на одном изображении только один рисунок; не под углом или наклоном; хотя бы в разрешении 700px; свои работы, а не себя или объекты вокруг.
4. Можем отклонить недоделки. Если хотите показать этап или фрагмент рисунка, покажите вместе с законченной работой.
— Мы приветствуем: традиционные рисунки, цифровые рисунки, рисунки на ткани и иных материалах, процессы создания, уроки, мастер-классы, лекции, полезности для художников.
— Мы отклоняем: посты без ваших работ; слабые работы; некачественные фото; заказы, просьбы, вопросы, объявления; фотоарты, раскраски, обводки; 3D-графику; скульптуру; комиксы, дизайн, каллиграфию.
— Ваш пост может подойти в одно из этих сообществ.
ВАЖНЫЕ РЕКОМЕНДАЦИИ: что влияет на успех поста? Как сделать пост заметнее? Читайте все рекомендации по ссылке =)
1. Всегда добавляйте картинку с законченной работой наверх поста. Даже если в посте этапы рисования / видео процесса.
2. Избегайте рекламных призывов вида «Подпишись, репостни, переходи по ссылке», чтобы не провоцировать агрессию читателей.
3. Укажите оригинального автора, если у вас копия другой работы или срисовка фото.
Или напишите про копию / срисовку в тексте поста.
Иначе зрители могут ругать за плагиат, т. к. в основе чужая идея.
1. Посты-повторы запрещены. Публикуйте одну работу один раз.
Если вашу работу кто-то выложил до вас, можно опубликовать её с тегом «повтор».
2. Эротика разрешена только в специальных NSFW-сообществах.
3. Торговля недопустима в любом виде.
— Воздержитесь от продаж через Пикабу, указания цен (даже в комментах) и обсуждения этих тем.
— Вместо этого автор может оставить в посте свои контакты.
юля, ну как можно советовать учиться рисовать с помощью копирования по сетке 🙁 дальше смотреть не стал
чета на заставке нихрена не реализм. зачем пытаться учить тому, что вы сами не умеете?
Первая работа акрилом
История началась довольно банально. Знакомая выиграла на какой-то тусовке сертификаты по рисованию и предложила мне. Ну а я что? Девушка безработная, висящая на шее у заботливого мужа. Короче согласилась. Всё равно делать особо нечего (ага, кроме всякой бабско-домашней работы, поисков проводов в стене, чтобы безопасно сменить проводку, разбора старой пыльной мебели и тому подобное).
Короче, записались мы на занятие, всё обговорили и приехали в день. пам-пам. народного единства. Откуда нам, двум беззаботным барышням, знать что в этот день у бюджетников выходной? Ну. Толпа детей и родителей ясно дала нам понять, что мастер класс отменяется, потому что в такой атмосфере невозможно что-то делать. И можно ещё поспорить, кто вёл себя более сдержанно, дети иди взрослые.
Дубль два был уже более продуманным. Просчитаны выходные, обеденные перерывы, фазы Луны, ретроградные Меркурии и Солнечные затмения.
Людей в студии рисования было не слишком много и мы начали творить!)
Вот вам поэтапное фото процесса создания (а по факту перерисовывания) картины, которая с гордостью теперь висит в коридоре.
Реализм, фотореализм и стиль в рисовании
Ответы на все эти вопросы лежит в самом понятии рисования. Если вы никогда не пытались понять, что такое рисование, выводы могут вас очень удивить!
Стиль? Какой стиль? Я даже рисовать не умею!
Или умеете? Леди и джентльмены, имею честь представить вам незаменимое руководство о том, как рисовать!
Шаг 1
Возьмите что-то, что оставляет отметины при нажиме.
Шаг 2
Надавите этим предметом на материал (что-то твёрдое вроде бумаги, дерева, грязи и т.д.).
Шаг 3
Передвиньте предмет с силой, необходимой для создания отметины.
Это рисунок!
Как мы говорили, есть два определения рисования: создание отметин на материале и создание отметин, похожих на что-то реальное. Путаница в этих двух значениях может быть фатальной для амбициозного художника. Вы знаете, что рисовать легко (растирая карандаш по бумаге), но в то же время вы не можете этого сделать (нарисовать дракона). Разве это не магическое искусство, которым обладают некоторые люди?
Базовый рисунок и рисунок со стилем
Реализм
Наш мозг создаёт реальность, которую мы воспринимаем, из серии неподвижных двухмерных изображений, создаваемых каждую долю секунды. Глубина создаётся путём сравнения двух снимков, снятых в один и тот же момент, но в несколько разной позиции (это не единственный способ создать глубину, т.к. даже одним глазом мы можем достаточно хорошо управляться). Поэтому рисунок можно рассмотреть как «мгновенный снимок мозгом», который вытащили на всеобщее обозрение после того, как прошли момент и место, в котором он был снят.
Из этого вытекает несколько проблем:
Линии слева были совершенно случайны!
Уровни реализма создаются различными элементами, которые наш мозг ищет для распознания. Некоторые из них более важные, чем другие, и у разных людей они различаются.
Наружные контуры
Это первый момент, где появляется стиль. Если что-то является произвольным, каждый может создать свою версию и ни одна из них не будет более или менее правильной сама по себе. Нам нужно найти другой стандарт суждения, и вот что мы обычно делаем: используем ярлыки типа «реалистичный» (очень похожий на что-то реальное), «мультяшный» (экономные линии, символические формы) или «манга» (характерный японский стиль).
Если разница между реализмом и мультфильмом так велика, почему каждый нереалистичный стиль выглядит «правильным» и приятным глазу?
Каждый стиль происходит из искажения реализма
Каждый стиль основан на правилах
Стиль должен быть намеренным
Вы можете подумать: «Вы сказали, что каждый стиль происходит от реализма, но что насчёт абстрактного искусства?».
Может, здесь я выхожу за рамки своей компетенции, но определение искусства настолько неуловимо, что кто-то может назвать пятно из пигментов, брошенных в стену, искусством (только потому, что результат такой случайный и непреднамеренный). И в этом случае я бы не назвала случайность стилем. Даже если бы назвала, определение этого стиля было бы как «рисунок/живопись, которые не были намерением художника». Вам бы хотелось поделиться своим стилем с 2-х летним ребёнком?
Это мама, папа и Приятель. Может, вы не можете их узнать, но это мой стиль.
Пропорция между А и В такая же, как между А+В и А
Адаптация
У адаптации есть и другая сторона. Мы склонны к тому, чтобы воспринимать «нормальными» только те вещи, с которыми мы знакомы. Вот почему правильно нарисованный, но менее известный динозавр может быть воспринят как анатомически неправильный, а кошачья анатомия, применённая к лемуру, может быть оставлена без внимания. Забавный факт: ни четыре ноги, ни уши, расположенные в верхней части головы, не обоснованы больше, чем три ноги и уши на задней части; их можно часто видеть в нашем мире, и поэтому они воспринимаются как естественные.
Длинный полосатый хвост? Есть! Тёмная маска на голове? Есть! Глаза навыкат? Есть! Худое тело? Есть! Всё правильно, должно быть, это лемур
Свет и тень
Первым назначением зрения было чувствовать свет и тень. Мы до сих пор очень чувствительны к ним, и нам не нужны контуры, чтобы видеть формы, когда есть свет и тень. Это может быть следующей стадией в рисовании (заштриховка линиями) или первой стадией в живописи.
Свет, тень и форма, которую они создают, столь же открыты для стиля, как и контуры. Сами размер и форма мазков кистью дают вам шанс создать бесчисленное множество совершенно разных интерпретаций места действия. Когда вы добавляете собственное представление о расположении света и тени, вам не нужно бояться, что получится неузнаваемо. Почитайте больше о свете и тени здесь и представьте, как вы можете использовать все эти правила для создания своего собственного стиля!
Вы можете рисовать реалистично, но не обязаны. Я часто вижу художников, которые преуспели в реалистичном рисовании (контуров) и затем перешли к самым возможным реалистичным цветам, как мы видим их в нашем мире. Это не обязательно, более того, это приближает вас к скучному фотореализму! Проблема с фотореализмом (позже мы поговорим о нём) в том, что этот стиль выглядит идентичным вне зависимости от того, кто его применяет. Если вы хотите уникальный стиль, который будет принадлежать только вам, экспериментируйте с правилами. Вам нужно их изучать, конечно, изучать природу и объекты вокруг вас, но потом изменяйте то, что изучили. Создавайте свои собственные правила!
Детали
На этой «картине» присутствуют только пятна тёмного и светлого цветов То, что вы здесь видите, вы создаёте сами!
Фотореализм
Какая разница между реализмом и фотореализмом? До настоящего времени мы обсуждали мгновенные снимки, сделанные мозгом. Что, если кто-то делает снимок настоящей камерой? Фотографии стали чем-то очень обыденным для нас. Мы относимся к ним как к настоящему отображению реальности, не представляя, что камера не работает в точности так же как наши глаза и мозг. Мы так привыкли к фотографиям, что иногда они кажутся нам более реалистичными, чем сама реальность!
Рельеф под небом в реальности не такой тёмный, и цвета могут быть не такими насыщенными
Рисование из воображения
Что насчёт того, что на самом деле не существует? Возможно ли нарисовать это реалистично или в любом стиле, произошедшем от реализма? Да, но их нужно рисовать в той форме, которую они бы приняли в нашем мире, если бы были реальными. Вы можете сказать: «Но я хочу использовать нереалистичный стиль, к примеру, нарисовать дракона со спичечными ногами и с огромной круглой головой». Хорошо, но обратите внимание на свои слова: «ноги», «голова». Это объекты нашего мира с определённой формой, которую они здесь принимают. Это начальная точка ваших созданий. Вам нужно знать, что такое голова, чтобы её нарисовать, даже если вы хотите создать новый вид головы.
Кстати, хочу прояснить один момент: почему вы не можете что-то реалистично нарисовать, даже если знаете, как оно выглядит? В голове вы можете очень чётко представить лошадь, но на бумаге она будет выглядеть совершенно неправильно. И снова, это ли не отсутствие таланта?
Идентификация
Создание
Ситуация совершенно другая, когда вы сами хотите создать лошадь. Вам внезапно понадобились все эти показатели, и даже больше! Вы начинаете рисовать копыто и внезапно осознаёте, что не знаете, как оно выглядит, даже если вы его можете распознать наглядно. Вот почему тесты с несколькими вариантами ответа легче!
Стиль и критика
Нелогично? Да, но когда вы публикуете свой рисунок, чтобы услышать только похвалу, вы не думаете логично. Каждый может оценить вас, и вы не можете лишить их этого права. Дело в том, что их суждение ничего не меняет в объекте.
Отвечая на вопрос из введения: объективно, нет «лучшего» или «худшего» стиля, пока вы не установите другой стандарт. Стиль не «уродливый», он «недостаточно реалистичен для меня». Однако, могут быть более или менее развитые стили, поэтому воздерживайтесь от использования слова «стиль» как щитом от критики.
Копирование стиля
Подозреваю, что большинство художников с этого начинают, как раз после окончания стадии детских каракулей. Они уверенно держат карандаш (они «хорошо рисуют» в общем понимании), но в то же время их прогресс не такой быстрый, как им хотелось бы. Поэтому вместо того, чтобы учиться у других, они начинают их полностью копировать. Внезапно их рисунки выходят совершенными, и все их любят. Обычно начинают с нанесения контура, затем зрительного копирования и в конечном итоге изучения правил стиля для создания собственных персонажей и получения некоторой независимости. Неужели это настолько неправильно? Давайте выясним: