что дает пленэрная практика
Пленэрная практика
Автор работы: Пользователь скрыл имя, 21 Июня 2014 в 22:50, отчет по практике
Краткое описание
Пленэрная практика — особый период в учебном процессе, наиболее благоприятный для расширения кругозора художника, для развития их общекультурной компетентности. Выявление этих развивающих факторов способствовало бы повышению эффективности учебного процесса. Пленер является важной составной частью учебного процесса по подготовке будущих специалистов. Выполнение заданий учебной практики на основе изучения объектов природы ведет к развитию художественного вкуса и росту профессионального мастерства. Студенты должны обладать целостным восприятием натуры с учетом общего тонального и цветового состояния и применять в этюдах метод работы отношениями.
Содержание
Введение 2
Основная часть 5
1.1. Художественные материалы для пленера 7
1.2. Стилизованный пейзаж 11
1.3. Цвет в стилизации 12
1.4. Описание выполненных задач в ходе практики 13
1.5. Методические рекомендации по выполнению заданий учебной практики (пленер) 15
Вывод 21
Список использованной литературы 22
Вложенные файлы: 1 файл
плен.практ моя..docx
Стиль формулирует сущность, исключительность художественного творчества в общности всех компонентов — содержания и формы, изображения и выражения, личности и эпохи.
Стиль часто путают с манерой. И хоть эти два понятия очень близки, понятие «манера» намного уже, чем понятие «стиль». Манера — внешнее индивидуальное использование художником изобразительных средств в ходе творческого процесса. В то время как стиль — соединение, единство всех компонентов художественного произведения.
Главной задачей стилизации является достижение его максимальной выразительности и эмоциональности в ущерб реалистичности и правдивости. Все несущественные детали отбрасываются, а характерные признаки и особенности, отражающие суть акцентируются и выделяются.
Основные общие черты стилизованных объектов и декоративных изображений: лаконичность форм, обобщенность и символичность, красочность и геометричность.
При стилизации характерные особенности изображаемого объекта в различной степени утрируются и искажаются. Чем больше преувеличений и искажений, тем больше изображение становится обобщенным и условным, а на самой последней стадии — абстрактным.
Высшей формой отказа в изображении от несущественных реалистичных деталей с одновременной заменой их абстрактными элементами является абстрактная стилизация. Абстрактную стилизацию разделяют на два вида: абстракция, имеющая натуральный образец, и абстракция беспредметная (вымышленная).
Особенно широко используется стилизация при создании растительного орнамента. Природные формы, нарисованные с натуры, слишком перегружены несущественными деталями. Стилизуя, художник, выявляет декоративную закономерность форм, отбрасывает случайности, упрощает детали, находит ритмическую основу изображения.
Стилизованный пейзаж
Исторические корни стилизованного пейзажа уходят вглубь веков. Мы можем их встретить в настенных росписях и декоративно-прикладных изделиях ремесленников Древней Руси. В более позднее время стилизацию к пейзажу широко применяли как в декоративном искусстве, так и в станковой живописи.
В творчестве известных мастеров XIX-XX вв. стилизованный декоративный пейзаж занимал видное место, благодаря чему в наше время этот жанр отличается разнообразием стилей и художественных направлений.
Очень показателен в плане стилизации японский пейзаж XIX века. В отличии от живописного пейзажа, в стилизованном пейзаже отсутствует воздушная и линейная перспектива и все элементы переднего и заднего планов изображаются одинаково четкими.
Декор в пейзаже может использоваться как в большей, так и в меньшей степени. Композиция может быть достаточно насыщенна деталями или же акцентирована лишь на некоторых участках форм, которые желательно выделить. В основном декоративный пейзаж строится на упрощении деталей и акцентировании характерных линий и очертаний. Возможно и количественное изменение изображаемых объектов. Если этого требует замысел художника. В стилизованном пейзаже цвет используется также как в орнаментах и натюрмортах. Либо соответствует реальному, либо замыслу автора.
1.3. Цвет в стилизации
Декоративное стилизованное изображение с использованием натуры часто подсказывают или задают цветовую гамму. Но в то же время любая стилизованная композиция должна иметь четкую цветовую схему, которая в большей степени поможет выразить авторский замысел и наиболее ярко создаст необходимое впечатление. Поэтому декоративной стилизации особенно свойственны условные цветовые отношения, локальное и контрастное использование цвета. Цвет каждого отдельного объекта декоративной композиции, как и ее общую гамму, нужно переосмысливать и преобразовывать для подчеркивания и усиления стилизационного эффекта, таким образом, делая цвет одним из важных изобразительных средств стилизации.
В соответствии с творческим замыслом цвет стилизованного объекта композиции может быть объективным (натуральным, реальным) или субъективным (нереальным, выдуманным).
Для беспредметной абстракции правильный и точный выбор колорита особенно важен, так как в таких композициях основной задачей цвета — передача эмоциональных состояний и настроений.
1.4. Описание выполненных задач в ходе практики
Оборудование для пленерной практики:
Удобная одежда и обувь по погоде, головной убор
Этюдник, планшет или специальная папка для рисунков
Складной стульчик
Наборы красок, бумаги, картона, кистей и других материалов и инструментов для работы с натуры в соответствии с заданием
В ходе прохождения пленэрной практики необходимо было выполнить живописные наброски и работы в графике, а также стилизации к этим наброскам. Работая над передачей состояния в пленэре необходимо помнить, что освещенный солнцем пейзаж светлее вечернего или утреннего. В серый день не бывает резких различий света и тени. В пленэрной живописи важно уметь выражать состояние освещенности в природе. Пейзажи, написанные в разное время дня и в различную погоду, должны отличаться друг от друга так же как отличаются состояния освещенности утром и вечером, осенью, весной, зимой и летом.
Успех в живописи этюда будет обеспечен, если верно взять тоновые и цветовые отношения земли, неба, воды. Поэтому краткосрочные этюды дают возможность научиться работать отношениями, учитывать при этом состояние освещенности в пейзаже, что является специфической особенностью пленэрной живописи.
К характерным трудностям изучения данной темы в период летней пленэрной практики следует отнести цветовое однообразие окружающей среды, особенно если практика проводится за городом в лесу. Доминирующим цветом травы и деревьев в летнем лесном пейзаже является зеленый. Несмотря на то, что это наиболее доступная глазу область цветового спектра, ее изображение оказывается сложным делом потому, что зеленый цвет больше других маскирует рефлексы неба и соседних предметов, поэтому у начинающих живописцев этюды получаются ядовито-зелеными, без влияния цвета неба и воздушной среды.
Чаще всего существенные недостатки в работе над этюдом появляются так же из-за торопливости и небрежности в запоминании общего цветового тона световоздушной среды, результатом чего становится «ядовитость», пестрота или чернота этюда. Поочередное закрывание и сравнение между собой «спорных» частей этюда позволяет верно оценить характер ошибок, допущенных при определении общего тона. Главная причина учебных ошибок в тоне часто допускается не в процессе непосредственной работы с материалом, а в процессе восприятия натуры. Поэтому важно уже в начале работы с натуры стремиться увидеть цельно все основные объекты или хотя бы несколько из них, наиболее контрастных друг к другу по своей форме и цвету. Каждый тон принято находить не по отдельности (земля, вода, небо), а все тона одновременно, в определенных отношениях между собой: самый светлый – небо, самый темный – земля, промежуточный между ними – вода. Для этого на палитре по соседству друг с другом стараются найти и сопоставить три группы красок. Которые должны различаться между собой пропорционально натуре и вместе с тем объединяться цветовой гармонией.
1.5. Методические рекомендации по выполнению заданий учебной практики (пленер)
В конкретных заданиях пленэра применяются различные виды рисунка: длительный рисунок, зарисовка, набросок. Длительный рисунок необходим для наиболее полного анализа мотива (задания по изображению целого строения, элементов архитектуры, фактурных особенностей отдельных частей предметов и т. п.). Работа ведется поэтапно, начиная от компоновки изображения на листе бумаги, определения пропорций и перспективного построения форм до проработки тональных и светотеневых отношений и передачи фактуры. Длительный рисунок выполняется в течение 3-6 часов в зависимости от сложности мотива.
Зарисовка – основной способ работы на пленэре. В зарисовках нужно передавать главное, характерное. За время краткосрочного рисунка решается ограниченная задача. Начинать зарисовки на открытом воздухе целесообразно именно с растений. Необходимо выбрать натуру, интересную для изображения, обладающую выразительным силуэтом, выраженным ритмом и характером листьев, общим движением массы. Композиционное размещение изображения – первый этап работы. Намечается конструкция ветки, пропорции частей, выявляется пространственное положение элементов, выступающие и отступающие планы. В конце работы прорабатывается штрихами форма, идет обобщение деталей, рисунок приобретает цельность. Зарисовывая дерево, живую натуру, архитектурный элемент, следует сразу строить изображение на плоскости, не разделяя на этапы, но учитывая закономерности объемно-пространственного решения. Длительность зарисовок на пленэре от 20 минут до 2 часов.
Цель наброска – передача характера натуры и пластического движения формы без предварительной подготовки. Наброски фигуры человека на фоне пейзажа выполняются за предельно короткий срок. Основные пропорции фигуры должны быть переданы в композиционной взаимосвязи с вариантами пейзажных мотивов. Не позирующую модель – живую натуру приходится рисовать не только с натуры, но и по воображению, наблюдению. Набросок развивает зрительную память. Упражнения в набросках вырабатывают динамичную активную технику, процесс ее освоения начинается с линейного наброска, затем набросок выполняется с элементами светотени. Длительность наброска 3-5 минут. На одном листе бумаги возможно размещение однофигурного наброска или многофигурной композиции, организованной пластически и ритмически.
В живописи на пленэре осваиваются законы цветовой гармонизации, проводится построение цветом объемной формы. Живописный строй этюдов зависит от общего состояния освещения. Солнечный или пасмурный день создает разную тональность и колорит. Цвет предметов обусловлен окружением и зависит от пространственной среды. Сравнение цветовых и тоновых (светлотных) отношений между собой, использование воздушной перспективы создают ощущение пространства в живописных работах. Слой воздуха ослабляет интенсивность цвета, снижает контрастность светотени, упрощает объем, растворяет контуры предметов. В пейзаже, где пространство безгранично, наблюдается постепенное изменение цвета от первого плана к дальним. Цвет приобретает холодный голубоватый оттенок.
В живописных этюдах выявляется многообразие рефлексов, ставится задача уловить общее состояние пейзажа за счет цельности освещения. Этюд, начатый при солнечном освещении, можно продолжить и завершить на следующий день в то же время. В длительном этюде техника может быть многослойной, этюд выполняется в течение 3 – 6 часов.
С целью передачи общего состояния делаются быстрые этюды- наброски пейзажа. При рассеянном освещении в пасмурный день этюд можно написать за один сеанс. В краткосрочных этюдах внимание сосредоточено на основных цветовых отношениях, общем колорите. Этюд пишется без детальной проработки формы. Краткосрочные этюды выполняются приемом “а-ля прима”, то есть сразу, без предварительных прокладок и последующих исправлений. Этюд сохраняет непосредственность и свежесть первого впечатления. Длительность краткосрочного живописного этюда ограничивается 10-30 минутами. Живописный набросок фигуры человека должен сочетать единство грамотной передачи формы и решения цветовых и тональных задач. Пятновое решение наброска имеет высокую степень обобщения и лаконизма в изображении силуэта фигуры и костюма, взаимосвязь с элементами среды, ясность композиционного строя.
Убедительность (выразительность) живописной техники в работе над этюдами очень важна – от того, как и куда направлен живописным мазком цвет, от его точности, интенсивности, плотности и динамичности зависит звучание формы, будет ли ее трактовка лаконична и целостна или же многословна и дробна.
При выполнении заданий учебной практики по композиции на пленэре следует помнить, что декоративно-графическое решение изображения требует обобщения натуры, выявления ее декоративности и орнаментальности. Плоскостная трактовка изображения предполагает яркую выразительность силуэта мотива, четкий ритм в композиции, красивую лаконичную линию, то есть строгий отбор средств графического выражения.
Задание по созданию силуэтной композиции с элементами стилизации растений требует выбора натуры с выразительным силуэтом. Самый простой способ решения задачи – темный или черный силуэт с небольшими просветами. Варианты силуэтно-графических изображений могут быть самыми разными.
Более сложная графика – в декоративном решении композиции растений, обладающих элементами различной фактуры, например, пушистыми соцветиями и ажурно- орнаментальными листьями. Богатство тоновых градаций, воздушность и мягкость привлекательны в этой технике.
Пристальный интерес может вызвать не только растение в целом, но и отдельные его формы. В этом случае орнаментальная трактовка листьев и цветов является результатом обобщения изученных форм. Чередование силуэтов по принципу «позитив – негатив» создает ритмическую организацию плоскости. Рисование одним цветом – техника гризайль, дает возможность решать тональные (светлотные) отношения в зарисовках на тонированной бумаге. Гризайль выполняют несколькими способами: по сырой основе, по сухой основе, комбинированным способом.
Учебная практика — пленэр — необходимая составляющая в системе художественного образования
Дата публикации: 27.05.2016 2016-05-27
Статья просмотрена: 4531 раз
Библиографическое описание:
Киселева, Н. Е. Учебная практика — пленэр — необходимая составляющая в системе художественного образования / Н. Е. Киселева, А. Н. Двухжилова. — Текст : непосредственный // Молодой ученый. — 2016. — № 11 (115). — С. 1603-1606. — URL: https://moluch.ru/archive/115/30753/ (дата обращения: 14.11.2021).
Article is devoted to statement of art and creative problems of educational practice, definition of a main goal of an open-air and its role in development of art skills, short history of formation of plein-air painting is lit, and also recommendations about writing of etudes are made.
Keywords: open-air, art, etude, color, light, history, painting, recommendations, educational practice.
Актуальность данного исследования состоит в важности выявления значимости пленэра для студентов художественной специальности. Творчество является частью профессионального успеха. Практика пленэра заставляет художника работать четко, ловко, без промедления, ухватывая главное в быстроменяющихся состояниях природы, требует от него накопления этих впечатлений в памяти, чтобы как инструмент ремесленника извлекать их из нее по мере необходимости. Это не только цель, но средство развития личности учащегося, его творческого потенциала, ведь интеллектуалами и творцами не рождаются. В определении словаря «Академик» пленэр (от франц. Enpleinair — «на открытом воздухе») — живописная техника изображения объектов при естественном свете и в естественных условиях. Подразумевается передача в картине всего богатства изменений цвета, обусловленных воздействием солнечного света и окружающей атмосферы. [1]
Пленэрная живопись сложилась на основе изучения натуры при естественном освещении и использовалась в основном для создания эскизов, сейчас же она является обязательным этапом в обучении студентов, необходимым инструментом в освоении художественной специальности.
В. А. Серов, Осень. Домотканово1886. [2]
Проведение пленэрных практик играет огромную роль в творческой активности студентов, обогащает воображение и служит источником вдохновения, способствует развитию типов мышления: пространственного, образного, логического, технического, а также художественного вкуса и эстетической восприимчивости. Только работая на пленэре, можно живо и полно передать особенности естественного освещения и световоздушную среду.
На практике перед обучающимися ставятся такие задачи, как: развитие глубокой пространственной ориентации, применение навыков использования линейной и свето-воздушной перспективы, умение цельно воспринимать объекты и находить цветовые отношения в них, выдерживать тональные и цветовые масштабы, а также использовать различные техники живописи.
Выполнение учебных этюдов на открытом воздухе отличается от работы в помещении. Прежде чем приступить к написанию этюду, картины, студент должен не только изучить модель, объект — имеется в виду форма, линии, светотеневые отношения, но также и цветовые выражения, то есть определить доминирующие цвета. Именно на этой основе студенту требуется составлять цветовую гамму, краски. Анализируя натуру, он должен чётко представлять себе, какие цвета превалируют — холодные или тёплые. Например, серый или голубой, фиолетовый или зеленовато — голубой, или, напротив, жёлтый, красный, оранжевый и теплые тона зелёного. Работа студента, будь то пейзаж, или человек, должна отражать интонацию, атмосферу действительности [3].
Существует несколько советов по пейзажной живописи в отношении выбора сюжета и исполнения. В пейзаже лучше смотрятся длинные и толстые кривые линии, чем ломанные. Можно сказать, что пейзаж написан хорошо, при условии, что не возникает желания что-либо убрать или добавить в композицию. Или если линии и форма создают гармонию. Художник работающий над пейзажем на пленэре, должен обязательно периодически изучать своё творение в стенах студии. Это связано с тем, что контраст между светом и тенью на открытом воздухе кажется слишком ярким. Некоторые пейзажисты после выбора тематики, найдя подходящую натуру, предпочитают набросать несколько линий на пленэре, остальную же работу делают в студии. Это в основном относится к художникам, обладающим отменной зрительной памятью, изучающим внимательно натуру и пропускающим ее через себя. Чтобы набить руку необходимо упорно практиковаться с красками и палитрой [4].
Китайский художник-портретист и теоретик живописи V века говорил, что существует 6 законов живописи. Во-первых, созвучие энергий в движении жизни. Во-вторых, прочная основа в работе кистью. В-третьих, соответствие действительности в изображении предметов. В-четвертых, следование категориям вещей в распределении цветов. В-пятых, правильно распределение предметов в композиции картины. В-шестых, точное воспроизведение образов в копировании картины. С давних времен все художники применяли эти правила [5].
Помимо пейзажей на улице можно писать и портреты, зная некоторые нюансы: на воздухе другая цветовая гамма, нежели в студии, где свет направлен искусственно, цветовые отношения меняются, меняются цели и задачи студийной постановки, будь то натюрморт или живая натура. В студии свет электрической лампы несет жёлтый цвет на постановочные предметы, поэтому светлые части будут тёплыми, а тени холодными. На воздухе наоборот — свет холодный, так как его определяет рефлекс голубого (холодного) неба, а тени будут тёплыми. Вечером свет на предметах тёплый от электрических фонарей, а тени холодные. Пленэрная практика и днем и вечером, ранним утром и на закате дня одинаково необходима для обучающихся на художественных специальностях, чтобы они могли закрепить свои знания и умения, полученные в студии, могли проявить свои способности владения основными принципами работы над графическими и живописными изображениями на пленэре [6].
Пленэрная практика всегда была необходима как составляющая учебных программ художественных специальностей. Актуальна она и сейчас, так как является для студентов важным аспектом в освоении профессии художественного профиля: учит выполнять наброски, зарисовки и этюды в условиях пленэра с натуры, по памяти, по представлению и по воображению, способствует развитию визуального мышления, объемно-пространственного представления, формирует навыки работы различными художественными материалами.
Методические рекомендации по проведению пленэрной практики
Пленэрные занятия являются неотъемлемой частью обучения детей изобразительному искусству. Необходимость развития у детей чувства прекрасного к явлениям природы и человеческому творчеству в их взаимосвязи — основополагающая цель детской изостудии.
Красота, гармония завораживают, притягивают, природа — «нерукотворное искусство», лес, охваченный «буйством» красок — в естественном синтезе обостряют восприятие мира, помогают ярче ощутить действительность. В данной статье обоснована актуальность постановки художественно-творческих задач учебной пленэрной практики, определения главной цели и задач пленэра и его роли в освоении художественных навыков, освещается краткая история становления пленэрной живописи, а также даются рекомендации по написанию этюдов.
О.А. Меркулова,
педагог дополнительного образования,
Муниципальное автономное учреждение дополнительного образования
«Дворец творчества детей и молодежи им. О.П. Табакова»
Саратов
Как педагог по рисованию, я не могу оставаться в стороне, постоянно ищу новые грани и скрытые резервы обучения и воспитания детей. Занятия по живописи настолько многогранны, что позволяют решать не только проблему духовного, но и психофизического здоровья обучающихся. Ведь рисование не просто способствует развитию ребенка, но и связывает между собой важнейшие функции: зрение, двигательную координацию, речь, и мышление, но и определяет духовное становление и психологическое развитие личности. Занятия музыкой, живописью, помогают снять у ребенка эмоциональное напряжение, уменьшает тревожность, агрессию. Возможность не говорить, а выражать свои переживания в виде рисунка представляется одним из важнейших преимуществ живописи. Рисование снижает уровень возбуждения. На своих занятиях я очень часто применяю направление арт-терапии, например, изучая пленэрную практику цветоведения, я показываю обучающимся, что краски — это неизведанный мир. Дети замечают, что лес бывает голубым, утром оранжевым, вечером выглядит багровым. Работа с красками по-разному влияет на их настроение.
Детское объединение «Волшебная кисть» посещают детей 5-15-ти лет. Занятия проводятся в каждой группе два раза в неделю по 2 часа. Состав каждой группы постоянный, всего в группе от 10-ти до 12-ти обучающихся.
Целью пленэрной практики является продолжение освоения материалов и техник живописи и графики в условиях воздушной среды.
Задачи:
Одной из основных задач является научить воспринимать натуру цельно в определенном сочетании тонально-цветовых отношений.
Анализ, синтез и сравнение — основные методы постижения натуры. Смотреть нужно глубоко и подробно, но при этом не терять общего. В обыденных вещах и явлениях природы необходимо учиться видеть необычное, важное, что остается скрытым от других. Другие методы, применяемые в пленэрной практике: словесный (объяснение, беседа, рассказ), наглядный (показ, наблюдение, демонстрация приемов работы), практический, эмоциональный (подбор ассоциаций, образов, художественных впечатлений)[1].
По характеру деятельности обучающихся можно выделить такие методы, как репродуктивный, частично-поисковый, исследовательский. Занятия на пленэре лучше проводить с небольшими группами детей, что позволит осуществить дифференцированный и индивидуальный подход. В работе на пленэре перед детьми открываются просторы, многоплановость, богатое разнообразие форм, величин, цветов, постоянная смена атмосферных явлений. Городские этюды чаще получаются более эмоциональными благодаря наполненности людьми, транспортом, движением.
Учебный этюд, целью которого является изучение законов живописи и рисунка в условиях пленэра, начинается с выбора мотива. Далее следует композиционное размещение целого и элементов изображения в необходимом формате и размере. Нужно изучить натурный мотив с разных точек зрения, сделать пробные наброски и выбрать лучший вид. Для первых этюдов лучше взять мотив с ясными по тону, цвету и форме предметами и планами. Желательно избегать композиции со сложными архитектурными сооружениями, множеством домов, транспорта, людей. Перед работой в материале этюд лучше создать в уме — продумать цели и задачи, выбрать главное. Надо определить точку зрения, линию горизонта, решить, сколько места на этюде будет отведено небу, земле или воде, деревьям и т.д. При компоновке надо избегать положений, когда вертикальная (пример: фонарь, дерево) или горизонтальная линия делит этюд пополам.
Перед выполнением большого этюда следует сделать этюд-эскиз небольшого размера, в котором определить композицию, колористическое решение, наметить тонально-цветовое соотношение неба и земли, планов, крупных объектов пейзажа. Детальная проработка в данном случае не нужна. Композиционный этап начинается раньше подготовительного рисунка и продолжается до окончания работы над этюдом.
Очень важен подготовительный рисунок. В нем окончательно определяются пропорции, на линии горизонта ставятся главные точки этюда, предельно конструктивно намечаются границы планов и основных предметов, их светотеневая масса, особенно в местах тональных контрастов. Начало подготовительного рисунка — это карандашный набросок с натуры, выполненный в пропорциональном соответствии с задуманным эскизом. Предварительное линейно-конструктивное построение форм позволяет более организованно вести следующую работу с цветом или тоном. С самого начала рисунок должен быть предельно лаконичным.
Композиция, рисунок и живопись — это единый и неразделимый процесс работы как над этюдом, так и над другим живописным произведением. Работая на пленэре, обучающиеся обретают способность воспринимать и передавать в этюде отличительные особенности того или иного состояния и освещенности. Для передачи различных состояний природы нужны различные материалы, техники исполнения и размеры этюда. Полезно сделать вначале несколько небольших зарисовок разной освещенности и изменениями в общем тоне. Это поможет изучению световых и цветовых отношений для различного времени суток. «Никогда не гонитесь за большим размером этюдов, в большом этюде больше вранья, а в маленьком совсем мало, и если вы по-настоящему серьезно почувствуете, что вы видели, когда писали этюд, то и на картине отобразится правильное и полное впечатление виденного», — говорил своим ученикам И.И. Левитан.
Важно перед началом работы мысленно представить этюд законченным, колористически цельным и продумать соотношения основных цветовых масс. Начинать писать этюд можно с неба, земли, деревьев или другого места, где меняется цвет, но непременно это должны быть большие цветовые массы. Например, написали небо, затем землю, далее массу домов и деревьев. Так строятся большие цветовые отношения. Потом, когда они найдены, начинается лепка формы, находим свет и тень, затем пишем детали и заканчиваем вновь обобщением там, где это необходимо, и опять же уточняем большие цветовые пятна. Нельзя писать до конца одну часть этюда, пока не определена цветовая раскладка в целом. Введение и проработка деталей постоянно должны соотноситься и согласовываться с общим решением и гармонией этюда. В процессе работы нужно определить разницу между самым светлым и самым темным пятном, между самым теплым и самым холодным, самым интенсивным и самым блеклым на натуре и в изображении на плоскости. Получив навыки работы над небольшими этюдами, можно перейти к работе над более крупными и сложными композициями[2].
Роль этюда в последующем написании законченного художественного произведения очень значительна. Однако можно встретить этюды, написанные непосредственно с натуры, которые, благодаря своим художественным качествам, переросли в картину. Примером может служить пейзаж И.И. Левитана «Март» (1895 г).
Чтобы написать удачный этюд, нужно внимательно наблюдать и изучать природу, развивать умение передавать нюансы состояния природы и человека. Обучающиеся должны стремиться к тому, чтобы каждый этюд был написан с эмоциональным подъемом. Художественное произведение не только передает содержание мотива, но и настроение, переживания, которые художник вложил в изображаемый им сюжет. Нужно научиться видеть природу и обобщать увиденное. Это дается не скоро. Работая над этюдом, нужно уметь вовремя остановиться, чтобы не перегрузить его изменениями и ненужными подробностями, из-за чего этюд утратит свежесть, остроту восприятия и свою художественную ценность. Не рекомендуется дописывать дома незавершенный этюд, целесообразнее оставить его незаконченным — это сохранит непосредственное впечатление, полученное художником от природы [3].
В результате долгой и упорной работы с натуры (на пленэре) учащиеся приобретают настоящее «ощущение природы», их картины становятся содержательными, убедительными, наполненными эмоциональным чувством.
Примерный план пленэрного занятия
Перед выездом на пленэр учащимся выдается памятка, в которой указываются место, где будет проходить пленэрное занятие, дата, место встречи перед выездом, время начала и окончания занятия, телефон педагога и перечень того, что необходимо взять с собой:
Материалы на выбор:
Памятка обучающимся в объединении «Волшебная кисть» — домашнее задание на летние каникулы
Список литературы
[1] Беда Г.П. Живопись и ее изобразительные средства. — М., 2012. — С. 82-84.
[2] Макарова М.Н. Тайны бумажного листа. Искусство детям. — М.: изд-во Мозаика-синтез, 2010. — С. 18-20.